書名：
《請偷走海報！──原研哉的設計隨筆集》
作者：原研哉 Kenya HARA
1958年生。平面設計師，武藏野美術大學教授。深入洞察「物」的存在方式和「人」的生活，持續創作喚醒人們五感的設計。二○○二年開始擔任無印良品的藝術指導、顧問。參與長野冬季奧運的開、閉幕儀式及愛知萬國博覽會的廣告宣傳製作等，藉以展現扎根於日本文化的設計。在設計AGF、JT、KENZO等商品外，也參與松屋銀座百貨更新、森大廈、梅田醫院企業識別系統計畫等。這些設計獲得日本文化設計獎等多數獎項。
另外，為了重新定義「設計」這個詞的意義，他更策劃多項大型設計展，包括造成廣大影響的「RE-DESIGN：日常的二十一世紀」展（榮獲世界Industrial Design Biennale、Industrial Graphic兩部門大獎及每日設計獎）、「HAPTIC」展、「SENSEWARE」展等，持續向世界發問有關設計的存在方式。
著作包括榮獲三得利學藝獎的《設計中的設計》（已譯為中文、韓文）、大增篇幅的英文版《DESIGNING DESIGN》，以及《白》、《為什麼要設計》（與阿部雅世合著）等書籍。
譯者：陳寶蓮
曾任報社日文編譯及大學日文系講師，現為專業翻譯。
譯作包括《冷靜與熱情之間》、《理由》、《嫉妒的香氣》、《身體都知道》、《越過她的肩，看見戀人》、《佐賀的超級阿嬤》等作品。
部落格：晴天譯樂園bijinluck.pixnet.net/blog
內容介紹：
你知道原研哉曾經設計過華歌爾的內衣美女月曆；曾是設計師石岡瑛子身邊成績最差的助手；而且還曾因為害怕設計的咖啡罐包裝出錯，而校稿了四十次。每一篇文章都細細道出原研哉剛出道時的心路歷程、設計想法和美學觀點。
《請偷走海報！──原研哉的設計隨筆集》收錄了五十三篇原研哉難得一見的設計散文，其中包括他從一九九一年到一九九五年在《小說新潮》雜誌上的連載，以及本書出版前新補的三篇文章。書中內容多取材自原研哉剛出道時的設計工作，每一篇文章就代表了一個設計故事，娓娓訴說出原研哉對於設計美學的思維概念，以及他所遭遇的困難轉折和工作歷程。
原研哉幽默風趣的筆觸，淺顯易懂的解說，讓「設計」這樣略為嚴肅的主題更為親切易讀，同時也讓讀者有機會一窺大師早年在設計工作上的趣聞軼事，讓人讀來不覺頻頻莞爾。
書摘：解說 這空白的十五年
《請偷走海報！》是我一九九五年出版的隨筆集，裡面收錄了一九九一年到一九九五年間在《小說新潮》連載的五十篇散文。大部分內容取材自我剛出道時的工作，而今再度出版本書，暴露十五年前不成熟的我，難免羞愧於心。聽到平凡社提出「＋3」的建議後，心情才轉趨積極。
這個提議是再寫三篇以現在生活為題材的新文章，附在書末。這麼一來，過去的隨筆就能和現在銜接了。至於中間空白的十五年，正因為沒有文章存在，反倒成了有意義的空白，可以盡情馳騁想像其樣。從三十五歲到五十歲，身為一個設計師，我真的很忙，要寫連載專欄，完全不愁沒有題材。在這種情況下，那些沒有寫出來的東西，或許有其意義。因此，我離開書寫、沉浸在設計樂趣中的十五年，就讓它浮游在空中也罷。
或許，將來有一天，我會針對這十五年間經歷的事情，以及今後的日子，再度提筆為文。不過，像本書這樣中間存著一大段時間空白的情況，古往今來，皆不曾見。
另一方面，我懷疑自己以前的文章有點硬，心虛地重讀一遍，確實有許多需要反省的地方。文章的魅力不在於文筆的好壞，而在於觸動讀者的力道。我在這些文章中鮮明感受到勤於競爭時的年輕自己，以及那雖然尋常、但現在的我已經失去的稚嫩天真。
當然，五十歲這個年紀絕不年輕，但也不算老。寫完「＋3」的新文章，我真的想把智慧及體力巔峰設定在六十五歲左右。因此，我還擁有仍會繼續變化的十五年空白。在此意義下，這也將是激勵我今後十五年的一本書。
也許有些讀者想從最後的三篇文章讀起，但我仍期望你們能夠從第一篇開始閱讀。本文之後，是原文照登好友原田宗典為本書所寫的序——「第一次寫序」。
書摘：請偷走海報
我有一段時期負責伊勢丹美術館的海報。大概一年半的時間，製作了七個展覽會的海報。
起初，受到美術館那乍看華麗的印象牽引，我意氣昂揚，但實際著手以後，情況有點不同。感覺力不從心。爭強好勝的心理總落得無處可使。
畢竟，在任何情況下，海報的主圖都一定是主題作家的「畫」。既然已有決定，留給設計師的空間就只是版面設計和調整文字要素這些固定的作業。也不允許放大圖畫的某個部分加以突顯。美術館在這方面，雖然接近藝術，但其實是個保守的世界。
因此，以自由奔放發揮造形的心情去膨脹自我感覺的作法，根本行不通。
我常把設計工作比喻為廚師工作，像這種發揮本領的局面，重點在於「裝盤」甚於「烹調」。身為拿刀的廚師，也許有些焦慮，但完美的裝盤效果，能讓畫的印象，甚至展覽會的印象更加明朗。雖然低調，還是有發揮的餘地。
館方委託我設計海報時，常常這樣說。
「請設計一張能招來很多觀眾，也會被偷的海報吧！」
率直的表現，讓我不覺微笑。
招來許多觀眾的動員力和讓人想偷的魅力，確實是美術館海報所需。但要同時滿足這兩個條件，並不簡單。如果只是製作貼在牆上、滿足裝飾的美意識的海報，非常輕鬆。但海報毫無疑問也必須是廣告，必須在感覺不到作為的情形下悄悄釋放煽動的訊息，吸引觀眾。這個就困難了。
在過去的設計中，我印象最深的是超寫實主義作家理查．艾斯特（Richard Estes）的展覽會。
他的作品主題是紐約風景，一百號（畫作的尺寸）以上的大作緊緊排在一起，是個很有看頭的展覽會。我選用其中最具代表性的一幅畫作為海報主題。麻煩的是，那幅畫放在海報上時，怎麼看也不像繪畫。不愧是超寫實主義。看起來真的很像「照片」。
超寫實主義的魅力之一，在於讓人不覺得是畫筆所為的技巧。面對原畫，是可以了然於心，但是做成印刷品後，表現不出材質感，無法和照片區別。
美術館方面希望讓觀眾了解這不是照片，而是「畫」。
幾經考慮，我還是無法只用版面設計來解決。也不能在海報上標明「超寫實主義」。很少人走在街上會一一看完海報上的文字。通常最多在○．五秒鐘的時間內決定勝負。
最後，我和廣告文案商量，在海報上加了一個字「絵」。這樣做非常突兀，讓海報變成廣告了。但這也算是一招苦肉計，而且頗能奏效，因為我常看到有人停下來，不解地看著海報。
「絵？」
這個展覽吸引了許多觀眾，遺憾的是，沒有人偷走海報。
海報被偷得最多的是「Jim Dine展」。他是作品以心為主題而知名的現代藝術創作家。
那時，整體設計是極力活用素材、突顯原畫。設計師徹底退居幕後。
因此，被偷走的不是「設計」，而是「畫」。
這讓我的心情有點複雜，雖說要貫徹幕後的角色，但我設計的海報被偷走，還是會沾沾自喜。
所以，如果你在街上看到想拿回家的海報，請別猶豫，儘管偷走吧！
書摘：大量生產的暈眩
說起工廠見學，大概很多人會想起小學時社會課的觀摩教學吧。
最近，我頻繁到工廠見學。因為設計咖啡標籤、瓶子、罐子等大量生產商品的案子增加，到生產現場露臉的機會也變多。
設計這種工作，大致可分為兩個階段，一個是「發想」的階段，另一個是「落實」為具體物品的階段。
以建築為例，就是「設計」和「施工」。畫出設計圖、完成計畫的過程，以及營造業者一邊抱怨、一邊打樁灌漿的施工過程。
要得到滿意的成品，任何一個過程都不能疏忽。即使建築師精心畫出的設計圖，施工現場若馬馬虎虎，也造不出優良的建築。同樣的，我們設計落實的好壞，也大大影響成品的水準。
因此，我勤跑工廠。
工廠這種地方，走入其中近看時，其實很刺激，有點像是半吊子的現代美術被一掃而空的感動。那是人類的創造性和讓自然改觀的加工暴力性，以功過相抵的方式同在一處的象徵性成果。
例如罐裝的普通咖啡。眼睜睜看著印上圖案的馬口鐵被機器裁斷、變成圓柱、焊接、壓溝、封蓋等步驟逐一完成。究竟是什麼人想出這種機械構造的？平坦的素材在這巧妙的系統中被鮮明地賦予形狀，整個過程像是奇蹟。
連串的罐子在有強大磁力的輸送帶上奔馳。從水平方向到違反重力的垂直方向，自由變換流動型態，像坐雲霄飛車般在工廠中超速移動，讓人看得目不暇給。那個數量與速度壓倒人的感覺，甚至讓人覺得恐怖。知道在那裡流動的是自己設計的東西時，不安更增一層。
那是以驚人速度增殖的我的設計。目睹這個現象，是一種快感。但是，自己的設計變成這樣無法無天，真的不要緊嗎？心中隱隱升起淡淡的不安，久久不退。
應該沒有任何失誤。印刷文字充分檢驗過，顏色的校正也確認到完全滿意的地步。但這個設計真的好嗎？沒有需要改善的地方嗎？龐大物量的移動，讓我對自己設計的自信產生暈眩似的瞬間動搖。
事實上，機器以猛烈速度啟動後，再做什麼都於事無補了。萬一，我的設計是失敗的作品，也只能眼睜睜看著那個失敗在我眼前膨脹成驚人的數量。
失敗、失敗、失敗、失敗、失敗、失敗、失敗、失敗、失敗……。
啊，真是惡夢。
如果反過來想，會輕鬆一些。但人很難輕易到達這種境界。
因為這個緣故，所以在機器正式啟動前，為了提高精確度，校正、樣品測試等，我神經兮兮得讓現場技術人員望而生畏。光是咖啡標籤的校正次數就超過四十次。
這絕不是我過於多慮、或過於小心的問題，而是數以百萬計的物量及速度為前提下的一種職業道德。然而，再怎麼努力做到無誤失、提升設計的品質，還是無法抹去物體大量生產的光景所引發的愧疚。
那大概是我對產「量」之龐大、想像不及而產生的焦慮吧。
我可以想像生產出來的每一件東西在生活中如何被人喜愛、被人憎恨、被人忘懷。
但當它以無盡擴大的「量」被提示時，我已可看見它注定要經歷生活實感、不久即被丟棄的「悲哀」。而我的設計正一副蠢相地趴在那份悲哀上。工廠的光景突顯了這個事實。
因為工作的關係，我常常深夜搭計程車回家。一路上，赤鉡和新宿的高樓霓虹照進高速奔馳的車窗裡。我看著光燦耀眼的飯店和辦公大樓景觀，深深覺得自己的工作很低調。
但是，那些生產出來的咖啡罐全部堆積起來，恐怕比高樓大廈還要高大。或者，此刻手上拿著我設計的瓶裝和罐裝咖啡的人，比住在超高層大飯店裡的客人還多。我用這無聊的謬論，試著把自己的工作和高樓大廈連在一起。
何其單純的想法啊。
確實，大量生產的「量」是產品設計的重點。掌上型的產品深入日本各個角落，無形中左右我們的生活品質。
就像都市的照明不只是幸福的印象、也讓人想起淡淡的悲哀一樣，生產品的量也包含著現代生活的悲哀。錯覺「量」是正面的影響力、想從中找出自己工作意義的心性，何其貧乏。
設計是始於開採石油和原料等「生產」運作最後的最後、賦予物體形狀的作業。美觀、合理、舒適愉快，當然重要。但對伴隨物品生產而來的「悲哀」，擁有感受性及想像，或許是參與這個工作者的另一項資質。我想，在今後時代的物品製造中，將會追究這個資質。
生產現場的緊張依然持續。它變成快感的情況不會是永久吧。
書摘：文學的背部
幫老友原田宗典開始做書籍裝幀設計，不知多久了？
從他大肆宣揚出版的處女作《溫柔一點，傻瓜》算起，已經超過十本。
當然，他的書不全是我一人負責裝幀，他已經出了好多本書，現在算是暢銷作家。
前幾天，我和工作人員去他的山莊玩，我們把忙碌的他留在山莊，跑去附近的網球場打球。我們流了一點汗，想要休息，走出球場時，看到奇妙的光景。
原田宗典孤單佇立在草原中央，靦腆地看著我們。胸前抱著一束野花。魁梧的原田抱著花、站在草原中，何其古怪的風情，我們不明就裡，都看傻了。
再仔細觀察，發現原田前方約二十公尺處，有一位拿著照相機的半蹲男子，原來是在拍照。大概是某個女性雜誌的採訪配圖。
「在山莊附近草原中構思長篇小說的作家原田宗典。」唉呀。
他原本對這種事情最應付不來，如今已顯得駕輕就熟，真叫人佩服。
他的人氣是如此旺盛，因此，最近接二連三請我裝幀。做完一本書，才鬆一口氣，下一本立刻過來。
我心情就像完成雙殺的二壘手，迅速看過校樣，立刻付印成書。
他剛開始出書的時候，我們會在咖啡廳裡不停續杯，商量要放進什麼樣的畫？要做怎樣的設計？討論兼閒聊地消磨時間，但最近這樣的機會顯著減少。
還有，最近有不少次都是在旅行時預先收集材料，不是看到書稿後才思索材料。
例如去香港中華百貨店採購時，順便買幾塊趣味童戲圖的刺繡布片，可能用在下一本散文集的裝幀上。
去首爾閒逛骨董書畫街時，也買下幾件有趣的民俗畫。
我用這些旅遊時收集的材料做裝幀，已經好幾本了。
這樣快步調完成的效果似乎比較好，所謂氣勢，就是這個吧。
雖然做他的書已得心應手，但現在有個稍為費心的案子，就是收錄在新潮文庫的作品的封面設計。
這個文庫的設計，是以書皮的顏色呼應作家個性，以產生獨特的效果。
例如三島由紀夫的「朱色」。伴隨重重印上書名和作家名字的封面，釀造出三島由紀夫的個性。雖然只是文庫本的封面，但我覺得這是比任何單行本都能突顯作家本質的出色設計。
不只是三島由紀夫。大江健三郎的「焦茶色」、太宰治的「黑色」、卡謬的「銀色」、沙特的「藍色」等，各種印象深刻的色彩都殘留在我們的記憶中。
在喜歡文學的高中時代，我們常會瞄著彼此書架上並排的書皮顏色，意識彼此的讀書傾向。
「哦，讀到這個了！」
回想起來，實在有趣。那應該是最幸福，也最能夠享受純粹讀書的時代吧！
正因為是有這種期待感的「文學的背部」，光是決定顏色就很花費時間。這樣說或許很怪，但我的心情真的像在思考朋友的墓碑設計，甚於他的書籍設計。
左思右想的結果，封面和封底選定鉻黃色。配上加藤夢子那洋溢著奇異文學性的圖畫。圖畫、書名和作者名都是黑色。文字是可讀性高的報紙明朝體。書背是和鉻黃形成強烈對比的銀色。
乍看是個簡單的設計，但可能捲起來放在口袋裡的文庫本不適合複雜而多彩的設計。我希望它即使折到、傷到，仍然能散發相應的風情。排在書架上時，銀色的書背可以強烈連結到作家的個性。
反正，我是希望把這個設計累積成像金字塔般長長一大疊，但這一點還是要看他本人。 
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